第三届国际钢琴大师班李民铎专场

时间：2006年10月1日，星期日，下午14点30分

地点：电教大楼三楼录音大厅

文字纪录：顾邹

拍摄、协助纪录：吕莉娅

记谱：吴诣卓

一、秦云轶   莫扎特变奏曲   KV.573

所有学音乐的人都知道，巴赫名字的意思是小河，但其实他不是小河，而是大海。这点毋庸置疑。而很多人在探讨莫扎特，它是什么人，想说些什么，写些什么？怎么去演奏？大家或许都明白：最伟大的人，他往往有一种童心。莫扎特就是这样，他从来就没有张牙舞爪。莫扎特说：心使人高尚。莫扎特，有儿童般的心灵，他用最单纯的心、宽广的胸怀和仁厚的爱来表达。

莫扎特做梦也没想过今天有那么好的钢琴，面对莫扎特的音乐，只能理解为莫扎特的想象力是非常丰富的，在演奏时要以用现代钢琴把莫扎特的心用更大的限度发挥得更好，用莫扎特的语言表现莫扎特。

全曲不断在重复，千万不要把他们弹成是一样的。并且全曲就像一幕一幕的戏，各段之间必须根据情绪有间断和紧凑的地方。

天、地、海、云，面对天，面对地，莫扎特面对浩瀚无边的天，他的感觉是不同的。他是写歌剧的作曲家，应该拥有一种歌剧咏叹调的感觉。

肖邦就不赞成机械的平均，说得很对。什么地方紧，什么地方松，应该区分开。

主题：莫扎特的心是浪漫的，表现它时要用莫扎特习惯的语言来表达，要纯朴，断和连的地方要歌唱，高声部要亮一点。

变奏1，不要用过多的踏板，会影响歌唱性。莫扎特的歌唱性特别大气，不俗，是一种内心的表现，不是伪装出来的。演绎上要有一种野气。另外，节奏上不要过分平均，即一种机械的平均。变奏4，对其中的花腔必须做出解释，莫扎特看到了天空的灿烂，要表现这种灿烂。变奏6的感觉和前面完全变化了。第154小节中的装饰音要解释成八分音符。变奏7中踏板要换得快一些，每次不要踩到底。要依靠手指本身的能力，不要过多地依靠踏板。

变奏9中可以看出，开头是真正的宣叙调。第225要弹出乐队的感觉。第256小节处莫扎特表现出一种特别的惊恐，其中没有特别的重音，第二拍可以稍微加重一些，第三个音不可以加重。后两行（第267小节始）犹如鸟叫声，说它是鸟叫声并不是小儿科，许多大作曲家都写了鸟叫声，如梅西安。

二、王婉艺   肖邦夜曲 Op.15,No.3

李民铎先生问：你知道这首曲子是肖邦什么时候写的吗？作品15的第 1、2首是在1830到1831年写的，第三首是在1833年写的。所以这三首曲子不太适合连起来弹。有一个城市使肖邦的整个生命全变了，那就是德国的斯图加特。写第三首时他在那里听到了波兰的华沙起义被沙皇镇压了，他心如刀绞，他不知道他的父母是否还活着，他的姐姐是否被俄国兵蹂躏了。由于写作时间的不同，作品15的第1、2首有幸福感，但第3首不仅是悲伤的而且是无精打采的。

这首曲子写得很薄，很难弹，因为这种“薄”是一种假象。必须注意到其中的复调内涵。注意第8小节的降G音，表现出肖邦的内心感到很空，他在波兰过得很实在，但是当时很空虚。我们要了解肖邦的钢琴理论——特别反对表面上的手指平均。其实质是反自然，人的五个手指是不同的，对其的要求也是不同的。本曲从第16小节处的旋律体现出肖邦内心的撕裂，他的心不安静，有一种浪在冲击。旋律动机很短，但旋律的悲剧性冲击力已经超出了长篇幅曲子的旋律。

演奏时并不需要完全依照琴谱上的标记，首先，肖邦时代的钢琴，与现代不同；更重要的事，伟大作曲家写在纸上的东西只是他所要表达的内容的几分之一，他内心的东西比他写得要多得多，我们在做的时候必须有所考虑。第49小节时，左手和弦的声部要分开，他们不是一个人，而是几个人，之后是个女高音，不能间断。第49小节的rit.不要太多。 sostenuto不能太响。在全曲70小节部分，热血沸腾，完全没有无精打采，77小节处充满金属性，连续出现非常悲哀的减七和弦。

第85小节处，三个升C ，最后一个升C在演奏着的心中应该想象成降D。这三个音很神秘，到了很深的地方。

李老师问：你有没有去过非常壮丽的教堂？答：衡山路

李民铎老师说，他觉得那还不够雄伟壮丽。今年夏天，他去了德国的科隆大教堂，他被怔住了。他觉得去那里的人内心都非常神圣。

李老师要求把这一段（89小节起）也弹得非常的虔敬、神圣。不要太激动，太响（因为是sotto roce）尽量慢，其中和声的每一个声部都不是器乐性的，而是声乐性的。肖邦在想，我的亲人在那里，神啊，帮助我。肖邦因为无助、无力所以要向上天祈求，但这不是一种大声的祈求。

钢琴不是自然的，使人造的，人声是自然的，因为人声是神造的，钢琴家很可怜，他们总是要用人造的乐器表现人声——也就是去表现神造的东西。所以我们要用手指尽量让他显得的自然。

音乐在重复的部分不要弹得一样，要有变化。中段不要弹得太响，是sotto roce，不然后面的很难处理，它是遥远的、神圣的、由远及近，不要有任何粗暴的现象。要注意手指，用正确的指法弹效果会好得多。

结尾部分(第137处)在不断地问问号，和声色彩变化，由淡便浓。戏剧化更强，然后逐渐消退……

三、郝博   肖邦叙事曲No.4

现在是2006年，这首曲子李民铎先生在1961到1962年之间在莫斯科音乐学院学学习过。后来回到中国后，又随李嘉璐先生学习过这首曲子。李先生希望他能将肖邦音乐的真情再往下传。

李民铎先生问郝博：你现在多大？  

郝博答：17岁。

李先生又说，你知道肖邦当时多大？你知道他那年去世的吗？肖邦是1849年去世的，这是他1842年的作品，是他重要的晚期作品。那年他三十二岁。我们为他感到非常的悲哀，那么一个伟大的天才，在39岁就去世了。

正因为肖邦是一个伟大的天才，所以他会想许多于别人不一样的东西。由于他身体情况一直很不好，所以他一直在思考：我这一生怎么走到这来的？怎么回来到了巴黎？又如何和乔治·桑由相爱变为冷漠？这一切他看得太明白了。他感到整个巴黎的社会都太冷漠，这种冷漠使他不寒而栗。肖邦是一个极度敏感的作曲家，他很早就想到，他怎么会走到今天的？他在这个世界上还能有多少时间？来生又是怎样的？所以这首作品想象力度的宽广是惊人的。

接着，李民铎先生对全曲的引子进行讲解。

世界上所有的生命都有一个不可抗拒的自身的节奏。每个人身上都有不可抗拒的节奏，比如所心脏的跳动。生命的节奏是每个人不可抗拒的，这个节奏就是生命，生命本身就是节奏，你所演绎的节奏不明确。这个节奏应该是非常遥远的，但是却是非常有力的。为什么呢？先看这是这是什么调性乐曲？

f小调，开头的G音与f小调关系太远了。一定要明确：第一，非常遥远；第二，这个节奏就是他的生命。这些G具有飘荡的节奏，太美了！肖邦的体质很虚弱，但是他的心是极其火热的。有评论家在20世纪初这样评论：从巴赫之后从没有一个作曲家写东西像肖邦这样大胆。这里的大胆指的是丰富的想象力。引子就像从他的记忆里飘过来，他离开家和亲人太远了，地理上虽然不远，但是心太远了，他回不去。

天高云淡，不要有任何的“硬”。但是它有内在的节奏，演奏千万不要和他对抗。第4小节中的第一个低音一定要出来，不然“心脏跳动”就有问题，就像“早搏”了，肖邦就不健康了。必须要理解肖邦是多么孤独，虽然这个独唱像个咏叹调，但其中的孤独使我们的演奏变得非常的寒冷。他在极其丰满的声部安排下进行。低音的力度轻但不柔软，具有祈求的意思，所有声部都在歌唱。

这个主题（从第8小节开始）的主题一直到36小节才结束，你有没有考虑过其中最激情的地方在哪里？在第23小节起的地方。这样才使引子部分不至于太枯燥。

到全曲第45小节情绪逐渐从雾色中出来。第56小节，把踏板完全放干净后才弹下去。以形成一种非常戏剧化的对比。从74小节开始的连接部分表现出一种展望情绪，充满希望。

与第一主题的孤独恰好相反。

尾声：（从169小节开始），左手虽然轻但是要清楚，从175小节开始出现内心的翻腾。第187小节的低音要出来，第198小节声部要清楚，不要太粗糙。

四、姚成   拉赫马尼诺夫音画练习曲  Op.33,No.3,4,5

第三首是降e小调，非常神秘，光怪陆离。每一句必须交待明白，节奏必须非常明白。使听众完全理解你的意图。不要加太多的踏板，注意连线的断和连，如第4小节.

钢琴技术的发展在现今已经很厉害，手臂必须柔软，千万不要让每个手指都站在键上，要旋转，跟随音乐旋转。大拇指要非常灵活。李先生又引用了肖邦的话：大指应该特别的自由，而且非常有力。

注意第6小节左手的重音。特别强的地方并不是单靠手臂弹，而是将整个身体靠上去，一定要让自己的身体与乐曲相吻合,身体的运动与内心的想象相协调。

第14小节要强调右手小指的旋律线，接着的部分左手跳跃，右手要贴键。虽然是pp但必须具备一定的穿透力，一个非常戏剧化的结束。

第19~20小节要把两手分开，低音要突出上方的声部。和弦之间要连贯。要理解俄罗斯作品的演奏幅度，把身体幅度拉大些。第24小节右手要突出上方的高音。

第四首要突出强烈的骑士风度。开头要像号角，必须有气派，但千万别“费力”，手臂只是身体和琴之间的一种衔接，要借助身体的力量。声音的轻响和有劲、没劲是两回事，轻的部分不一定没劲。第20小节要出现个性的变化。

高潮的部分一定要出来。